Butaca numerada

Personalmente, entiendo que los Oscar están perdiendo lucidez cinematográfica. Más allá de la pomposidad visual y el carácter mediático del evento, los destinarios de los premios simbolizan la degeneración cualitativa de la industria norteamericana. Al menos, no han ensalzado a 'Avatar' y sí han elevado a los altares a 'En tierra hostil', la obra audiovisual dirigida por Bigelow, con seis estatuillas, y semejante condición argumenta el exiguo listón fílmico de la Academia de las Artes y de las Ciencias Cinematográficas estadounidense, del mismo modo que evidencia el estado creativo de Hollywood.

Por lo menos, ha triunfado el cine de actores y de autor sobre el estilo 'animado' que representa 'Avatar' ya que, por muy revolucionaria que sea la proyección de Cameron en 3D, se escapa a los parámetros de este arte, hasta que una corriente post-moderna de índole internacional nos diga lo contrario. El ex marido de Bigelow se ha llevado tres galardones técnicos. El resto de las estatuillas se ha repartido de un modo bastante coherente, aunque hayan barrido para casa como corresponde.

Jeff Bridges y Sandra Bullock han brillado con luz propia como actores protagonistas en estos Oscar, cuya ceremonia desprende cuatro grandes victorias desde esta butaca numerada. Aplaudo sin cesar a 'Up', que ha recibido reconocimientos bien merecidos. También vocifero un "¡Bravo!" a 'Precious', radiografía social necesaria en los tiempos actuales. Asimismo, me pongo a los pies de Christoph Waltz, Oscar como mejor actor secundario por su fantástico papel en 'Malditos Bastardos'.

Finalmente, otorgo el aplauso más largo y potente de la jornada a 'El secreto de sus ojos', la coproducción hispano-argentina dirigida por el gran Juan José Campanella. Esta sí que es una 'obra maestra' y su categoría fílmica ha supuesto un Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Si fuese americana, igual se llevaba más galardones. Dime de dónde eres y te diré cuántas posibilidades tienes.

Publicado el 8 de marzo de 2010 a las 10:15.

'Los hombres que miraban fijamente a las cabras', película dirigida por Grant Heslov, sabe a cine 'independiente' norteamericano o a uno de esos proyectos alternativos que excitan a George Clooney, Ewan McGregor o Kevin Spacey. Por cierto, aquí aparece Jeff Bridges, que también protagoniza 'Corazón rebelde'. El filme se presenta como una especie de sátira política con apariencia cómica, y sitúa a un reportero ante una división secreta de las fuerzas armadas americanas con facultades muy singulares. Son capaces de leer la mente del enemigo, atravesar paredes o incluso matar a una cabra con el simple hecho de mirarla fijamente a los ojos.

Los aficionados al 'best-seller' Millenium, la trilogía escrita por el autor Stieg Larsson, que en paz descanse, tienen una cita en los cines para conocer la tercera y última adaptación cinematográfica de los citados libros. En este caso, 'Millenium 3: La princesa en el palacio de las corrientes de aire'. Michael Nyqvist y Noomi Rapace vuelven a formar parte del reparto en este 'thriller' de Alfredson.

Los nuevos títulos de la semana incluyen otro 'thriller', en este caso de procedencia hispano-argentina. El director y productor Gerardo Herrero combina ambas tareas artísticas en 'El corredor nocturno', adaptación al cine de la novela homónima escrita por Hugo Burel. Durante el filme, Eduardo López (Leonardo Sbaraglia), el estresado trabajador de una multinacional, conoce a un tipo llamado Raimundo Conti (Miguel Ángel Solá) que se mete en su vida hasta límites insospechados.

Además, Jeff Bridges hace doblete en la cartelera del viernes 5 de marzo porque se transforma en Bad Blake, un músico de country cuyo desasoiego vital clama al cielo a punto de cumplir los 60 en 'Corazón rebelde'. Una periodista le despertará del letargo existencial en el que está sumido. 'Cazadores de dragones' y 'Res publica', de Jose Mª Nunes completan la nueva oferta cinematográfica.

La primera posibilidad fílmica, con animación en 3D, supone la adaptación de una serie televisiva con Zoe y la lucha contra estos terribles monstruos como hilo argumental. La segunda narra cómo un hombre explica su suicidio, largamente meditado, como manifestación de protesta contra esta época en la que le ha tocado vivir.

Publicado el 5 de marzo de 2010 a las 09:00.

Devoro con satisfacción las páginas de 'Anatomía de la luz', penúltima novela de Javier Cercas (Ibahernando, Cáceres, 1962) antes de que este notable escritor publicase 'Anatomía de un instante' y justo después de 'Soldados de Salamina', obra literaria convertida en película por David Trueba. Un joven gerundense cambia Barcelona por un pueblo del Medio Oeste americano, al que llega para dar clases de español en la Universidad. Allí, conoce a su compañero de despacho, ex combatiente en Vietman, que le marcará de por vida.

Alcanzó la página 31. Perplejo, asisto a la primera descripción que hace Cercas acerca de Rodney, nuestro protagonista. "A primera vista Rodney tenía el aspecto cándido, pasota y anacrónico de esos hippies de los años setenta que no habían querido o podido o sabido adaptarse al alegre cinismo de los ochenta, como si de grado o por fuerza hubiesen sido arrinconados en una cuenta para no perturbar el tráfico triunfante de la historia. Sin embargo, su indumentaria no desentonaba con el igualitarismo informal que reinaba en la universidad: siempre vestía zapatillas de deporte, tejanos gastados y holgadas camisas a cuadros, aunque en invierno - en el invierno polar de Urbana - cambiaba las zapatillas por unas botas militares y se abrigaba con gruesos jerséis de lana, un chaquetón de cuero y un gorro de piel. Era alto, corpulento, ligeramente desgarbado; caminaba con la vista siempre fija en en suelo y como a trompicones, escorado a la derecha, con un hombro más elevado que el otro, cosa que dotaba a su paso de una inestabilidad bamboleante de paquidermo a punto de desmoronarse. Tenía el pelo largo, espeso y rubicundo, y una cara recia y ancha, de piel levemente rojiza y facciones como esculpidas en el cráneo: la barbilla dura, los pómulos prominentes, la nariz escarpada y la boca burlona o despectiva, que al abrirse mostraba una doble hilera de dientes desiguales, de color casi ocre, bastante deteriorados. Padecía de fotofobia en uno de sus ojos, lo que le obligaba a protegerlo del contacto con el sol cegándolo con un parche de tela negra sujeto con una cinta a la cabeza, un pegote que le infundía un aire de ex combatiente no desmentido por su andar trompicado ni por su averiada figura". Releeo la página 31. Una vez más, comprendo las razones por las que Javier Cercas se ha convertido en un autor imprescindible en la literatura española de los últimos tiempos.

Publicado el 4 de marzo de 2010 a las 11:30.

El hombre que aparece en las imágenes anteriores no necesita presentación. Sin embargo, incurro en el delito. Leo Bassi. Simplemente, Leo Bassi. Si andan por Madrid, todavía pueden verle en Teatro Alfil representando 'Utopía' por segunda vez, ya que allí estuvo el pasado año. "Han sido seis semanas fantásticas", comentaba Leo el pasado lunes 1 de marzo en el programa radiofónico 'La Corbata', que se emite en Radio Círculo, la emisora del Círculo de Bellas Artes.

La obra baja el telón en la capital el próximo día 14. Bassi se encuentra muy emocionado por "el cariño del público. La gente me manda correos electrónicos después del espectáculo con ideas para cambiar el mundo. Eso le da mucho calor a mi corazón porque significa que el público ve un llamamiento a la utopía de verdad y no sólo un espectáculo", apunta el actor y cómico (Nueva York, 1952). Bassi nació en la 48 con la octava avenida de Nueva York y sus padres, que también eran artistas, actuaban por aquel entonces en Times Square. Así lo recordaba Leo al principio de la citada entrevista. Si quieres escucharla, aquí encontrarás el enlace. Durante media hora, Bassi habló sobre la obra teatral en cuestión, la situación social que vivimos y su estilo artístico.

Para Leo, existe mucha naturalidad en la selección de los temas que traslada a los escenarios."Pienso en el tema que más interesa en un momento determinado y lo hago sabiendo que el público me ayuda a entender lo que quiero decir, con sus reflexiones y conclusiones que muestren. Esto ha sido verdad en todos los espectáculos, pero especialmente en éste: 'Utopia'". El significado etimológico de 'utopía' es "lugar que no existe" y, según Bassi "el error de nuestra época consiste en pensar que este lugar no puede existir. Quizá no exista en la realidad, pero sí en la poesía, la magia, el romanticismo. Todos los movimientos utópicos tienen más una dimensión mágica que radical. Eso lo sabía, pero no lo he vivido hasta ahora", reconoce el artista neoyorquino de origen italiano, como resalta su primer apellido.

Continuando con las reflexiones sobre la utopía, Bassi concluye con cierta melancolía en su dialéctica. "El problema de nuestra época es que vivimos sin magia. He vivido en otras civilizaciones y tú ves que otros pueblos viven constamente en la magia. El mundo laico necesita esta magia, porque si no todo es muy aburrido y se reduce a cosas materiales", comprende Leo. "¿Qué es la publicidad? Una utopía falsa, interesada y no inocente", añade el creador del espectáculo 'Utopía', quien afirma la necesidad de, al menos, seis horas para explicar los motivos humanos que nos han llevado a esta situación.

Su físico impone, al igual que su tono de voz. Transmite una ilusión infantil en las exposiciones sentimentales, pero defiende con una firmeza madura los pensamientos ideológicos de toda una vida dedicada a la interpretación y agitación cultural. ¿Tiene Leo Bassi un público minoritario, aunque fiel en la capital? "Lo que pasa en Madrid es diferente de lo que pasa en el resto de España, donde hago de espectáculos en muchos sitios. Creo que estoy conquistando un público nuevo, no en Madrid, donde las cosas son más cínicas". Cierto, predomina el conservadurismo ideológico en determinados espacios escénicas. Además, Bassi no tiene demasiado tiempo para darle vueltas a este sinsentido porque hoy está aquí y mañana allá. Defendiendo su palabra. Escalando una montaña empinada hasta la utopía.

Publicado el 4 de marzo de 2010 a las 10:00.

La película se estrena el viernes 12 de marzo

Un músico con mucho carácter llamado Jorge del Pino y su compañero Enrique Corgo, ventrílocuo de aspecto bondadoso, son dos artistas de 'vodevil' que divierten al público español allá donde van con sus espectáculos. El inicio de la Guerra Civil les separa, pero un año después vuelven a reunirse sin saberlo en el 'Café Hespérides', donde cómicos con diferentes habilidades buscan el pan para sobrevivir en un día a día imprevisible. Allí, conocen a Miguel, huérfano y con talento para la magia. Los tres se convierten en una familia a falta de las suyas propias, víctimas de la guerra.

Junto a otros artistas como la cupletista Rocío Moliner, tratan de ganarse la vida con su profesión, pese a las penurias sociales. Al mismo tiempo, serán puestos a prueba para que manifiesten su adhesión al régimen o, en todo caso, acepten en silencio las directrices políticas existentes, olviden el significado de la razón y se dediquen a representar sus 'tonterías' ante el pueblo.

Con este argumento, Miguel Aragón presenta 'Pájaros de Papel', su ópera prima y una película que ha dirigido, producido, para la que ha hecho el guión a cuatro manos con Fernando Castets (El hijo de la novia) y cuya banda sonora le señala como el principal culpable de las melodías que envuelven este filme duro, tierno, que empapa los ojos y provoca sonrisas en un cóctel visceral. Según ha comentado el propio Emilio Aragón, este proyecto cinematográfico ha sido fruto de numerosas historias sobre el mundo artístico que le ha contado su padre, Emilio Aragón Bermúdez 'Miliki' (su aparición escénica rebosa sensibilidad), y de la atmósfera vital en la que residido desde su niñez.

Reflejo humano de aquella época, así como un bello homenaje a tropecientos cómicos, cantantes o practicantes del 'vodevil', 'Pájaros de Papel' supone un filme atípico al habitual en la actualidad debido a la temática elegida. La ambientación histórica merece un aplauso, al igual que la dirección de fotografía (David Omedes). El texto audiovisual define y entrelaza con sensatez a los personajes, a la vez que desprende detalles recuperados durante el proceso narrativo.

Quizá la tensión dramática, en lo que respecta a la persecución franquista, necesite mayor vivacidad en determinados instantes de la proyección. Sin embargo, la cinta que protagonizan, en su reparto principal, Imanol Arias (Jorge del Pino), Lluis Homar (Enrique Corgo), Roger Príncep (Miguel) y Carmen Machi (Rocío Moliner) consigue su objetivo básico y una emoción incontenible: sitúa al espectador en el interior de una compañía artística, un grupo de seres humanos como usted o como yo, que sólo deseaba lo mismo que cualquier víctima de una guerra. De una dictadura ideológica. Vivir en paz. Que nos dejen en paz.

Enlaces:

-Tráiler de la película

-Web de 'Pájaros de Papel'

-Un día en el rodaje de la película

Publicado el 3 de marzo de 2010 a las 13:45.

Eduardo López (Leonardo Sbaraglia) sale a correr cada día para quitarse el estrés de un puesto laboral exigente en una multinacional de seguros. Le falta autoestima y confianza. Además, tiene un jefe que le come la moral. A todo esto, apenas le dedica tiempo a su familia. Un tipo con el que supuestamente ha coincidido más veces le saluda en aeropuerto, se hace llamar Raimundo Conti (Miguel Ángel Solá) e intenta colarse en su vida como un amigo que le sugiere también el inicio de una relación empresarial.

Así comienza 'El Corredor Nocturno', la nueva película de Gerardo Herrero, uno de los cineastas más conocidos del panorama cinematográfico español por sus labores como director y productor. Aquí, dirige y produce esta adaptación a la gran pantalla de una novela homónima escrita por el uruguayo Hugo Burel. Nicolás Saad se ha encargado del guión.

La inevitable relación entre literatura y cine, así como la estrecha relación con Iberoamérica que ofrece la carrera fílmica de Herrero, propicia, en este caso, un 'thriller' argentino. Raimundo vulnera la intimidad vital de Eduardo, que expresa sus miedos y desconfianzas hacia este 'monstruo'. El misterioso hombre se apodera de su vida, y sobre todo, de su situación laboral, hasta el punto de manejarle como a una marioneta. Brillantes interpretaciones y una historia inquietante definen a esta película, indefinida en su conclusión. (ver tráiler de la película).

Publicado el 2 de marzo de 2010 a las 13:30.

La coproducción teatral del Centro Dramático Nacional con Animalario regresa a Madrid desde el 4 de marzo hasta el 11 de abril en el Teatro Valle-Inclán. La obra cuenta con 12 nominaciones a los Premios Max 2010. Si quieren verla, apúrense. Casi no quedan entradas. El espectáculo dirigido por Andrés Lima y basado en un texto de Juan Cavestany se estrenó el pasado 25 de septiembre de 2008 y ha tenido un recorrido exitoso por las salas de toda España. Roberto Álamo hace de 'Urtain' y el reparto incluye a actores como Raúl Arévalo o Alberto San Juan. 

José Manuel Ibar Aspiazu, más conocido como 'Urtain', se convirtió en un deportista muy popular durante la España de los 70 como boxeador. "Fue utilizado como símbolo, como marca. La del toro, la del coñac, la España con dos cojones, la España de raza que tanto gustaba a Franco. ¡Y encima era vasco!", apunta Andrés Lima, director de la obra sobre el significado de este viaje en el tiempo a los 70. Según Cavestany, creador del texto, 'Urtain' "es un viaje a través de una España que se mueve por un camino marcado por la sangre y la política, el destino y la fabricación, la inocencia y la mentira, el deseo atormentado y la posibilidad siempre fugaz del éxito".

La historia teatral sucede en un cuadrilátero de boxeo, donde Animalario pone de manifiesto lo que significó 'Urtain' en aquella sociedad y cuál fue su actitud ante la vida. Este evento artístico ha conseguido 12 nominaciones en la XIII edición de los Premios Max de las Artes Escénicas. Opta al premio como Mejor Espectáculo de Teatro, Mejor Director de Escena (Andrés Lima), Mejor Actor Protagonista (Roberto Álamo) y Mejor Actor de Reparto (hacen doblete Alberto San Juan y Alfonso Lara), entre otros posibles galardones.

Publicado el 2 de marzo de 2010 a las 08:45.

Dios o quien haya tenido la ingeniosa de entrelazar el destino de hombres y mujeres, nos colocó en el mismo mundo. Y se armó la 'marimorena'. Nos amamos con locura, existe una necesidad mutua, pero las relaciones vitales entre el género masculino y femenino se convierten en una de serie acciones o pensamientos habituales, comunes, previsibles, inevitables. Si hablamos de amor, ese sentimiento tan intenso que nos calienta o nos quema, la interacción produce situaciones tan intensas como peligrosas, debido a nuestra naturaleza humana, que pide a gritos cariño y sexo. Sexo y cariño. Comprensión.

Dentro del amor o los encuentros afectivos entre hombre y mujer, se pone de manifiesto un hecho muy cotidiano. Todos vendemos la mejor versión que llevamos dentro e idolatramos a la persona amada en cuanto la conocemos para, posteriormente, dedicar gran parte de nuestro tiempo y esfuerzo a modificarla de forma conveniente. Este hecho sirvió de pretexto para la creación de un espectáculo teatral en el Off-Broadway, la vertiente más alternativa del teatro neoyorquino, cuyo éxito ha sido demoledor durante muchos años.

Ahora, 'Te quiero, eres perfecto... ¡Ya te cambiaré!, la versión española del citado evento, se representa durante su tercera temporada en el Teatro Alfil de Madrid. En un principio, hasta el 21 de marzo. Pablo Muñoz -Chápuli dirige el espectáculo de 'Tela Katola', una comedia musical de pequeño formato. El guión y las interpretaciones de las dos parejas presentes sobre el escenario (Ruth Calvo, Inma Mira, Jorge Gonzalo y el propio Pablo) consiguen una notable empatía con el público a base de 'sketches' con una adecuada carga humorística. Las canciones recitadas por los cuatro protagonistas suenan al compás de los teclados que domina Enrique Poves y el violín ejercitado por Paloma de Juan.

'Te quiero, eres perfecto... ¡Ya te cambiaré!' arranca con los clásicos nervios de una primera cita y realiza un proceso gradual en el tiempo de un pareja a través de diferentes experiencias frecuentes en todas las relaciones del mundo mundial. La selección de una película cuando vamos al cine, el fútbol, las compras, ese infierno en el que se convierte un viaje con la familia dentro del coche o la transformación radical que experimenta una pareja cuando tienen un niño y reciben la visita del clásico amigo soltero son escenas que forman parte de la obra, creíbles y logradas. Quizá las partes más dramáticas o nostálgicas, que las hay en el tramo final de cada función, no calen tanto como las jocosas entre los espectadores, pero todo ofrece un brillante sentido común. La sobriedad en la escenografía no impide que, mediante el vestuario o los elementos contextuales que aparecen y aparecen, uno viaje al lugar de los hechos, donde muchos estamos o estaremos en el futuro cercano. O lejano.

'Te quiero, eres perfecto... ¡Ya te cambiaré!' agrada por la familiaridad que despierta la parodia 'parejil' (si van con la suya acabarán a codazos entre sonrisas cómplices), el buen ritmo en el desarrollo del espectáculo, unas canciones bien entonadas, repletas de diversión e instantes lúdicos y una propuesta teatral sencilla a la par que efectiva ante los ojos de quien se sienta en la butaca. Además, el precio de las entradas compensa con creces la calidad de cada función.

Publicado el 1 de marzo de 2010 a las 11:15.

Siete títulos se incorporan a la cartelera de los cines españoles a partir de este viernes 26 de febrero. 'El profeta', 'The Lovely Bones' y 'An Education' constituyen las tres propuestas fílmicas más recomendables por los nombres que las representan, así como por sus contenidos.

La primera viene firmada por el director francés Jacques Audiard. 'El Profeta' supone un viaje a la cárcel junto a Malik, un joven de 19 años que no sabe leer ni escribir. Allí, tendrá que aprender las reglas vitales del entorno y éstas le servirán para su desarollo personal fuera de las rejas. Su papel como 'chico de los recados' da paso a una posición de poder en la que Malik tendrá que enfrentarse a corsos y árabes. Esta situación supondrá un encuentro con su identidad. Con el ángel que lleva dentro.

'An Education' supone otro de los grandes estrenos de la semana. Nominada al Oscar como película, mejor actriz (Carey Mulligan) o mejor guión adaptado, el filme de Lone Scherfig sitúa al espectador en la América de principios de los 60. Allí, Jenny, el personaje que interpreta Mulligan, parece la típica chica perfecta que sigue el camino de lo correcto y habitual en todas sus decisiones o pensamientos. Sin embargo, la aparición de David (Peter Sarsgaard), un pretendiente poco conveniente, en su vida cambiará la personalidad de Jenny, tambaleando los cimientos mentales que tenía establecidos. El paso de la adolescencia a la madurez, la perdida de un inocencia existencialista o el choque entre seres procedentes de los grupos sociales bien diferentes define 'An Education', con guión de Nick Hornby.

'The Lovely Bones' significa el regreso a la actualidad cinematográfica de Peter Jackson, celebre por su dirección en 'El señor de los Anillos'. Jackson realiza una adaptación del best-seller escrito por Alice Selbod. Después de su fallecimiento, la joven Susie Salmon observa al asesino que le ha quitado la vida. También sigue muy de cerca la evolución de su familia. Se debate entre una intensa sed de venganza y el deseo de que los suyos vuelvan a la tranquilidad. Un verdadero melodrama.

Asimismo, la acción norteamericana trae consigo dos películas como 'Daybreakers' y 'Al límite'. Una historia futurista basada en la supuesta plaga vampírica que acecha a la humanidad convierte en el principal argumento de 'Daybreakers'. En 'Al límite', Mel Gibson lidera una trama policía repleta de sospechas. Un dramático viaje al Sáhara francés en búsqueda de un piloto inglés desaparecido centra el argumento de 'El último vuelo' y 'Arena' ofrece un acercamiento al mundo de la tauromaquia.

Publicado el 26 de febrero de 2010 a las 10:15.

Las sala de cine que programan películas en versión original subtitulada suponen porcentaje paupérrimo en la cartelera cinematográfica de la geografía española. Por su escaso rendimiento económico y una política cultural equivocada, la V.S.O. solicita un S.O.S. inmediato. He estado buscando datos en Internet durante un buen rato sobre el número de salas que programan esta posibilidad fílmica sin éxito. Por lo tanto, carezco del poder de las estadísticas.

Según datos provisionales del Ministerio de Cultura sobre 2009, existen 820 cines en España y un número que supera las 4.000 pantallas de proyección. Si usted viven Madrid tiene a su disposición una decena de espacios cinematográficos (puede que más) donde existe variada oferta en versión original subtitulada. Hagan su cálculo sobre el número de salas que puede haber en cada cine. A esta cifra, súmenle un número similar de espacios semejantes en Barcelona. Según informaciones publicadas en la red, Bilbao, Valencia, Tenerife, Palma de Mallorca o Zaragoza también incluyen pequeños nichos con esta categoría: la V.S.O. Si utilizamos la imaginación, el panorama actual demuestra que el cine en versión original subtitulada malvive dentro de la comunidad cultural española.

¿Cuáles son los motivos que han propiciado la situación actual? ¿Es posible una política de cambio en esta problemática cinematográfica? La imposición política del pasado se ha transformado en una costumbre social de gran arraigo. El doblaje español ofrece una indudable calidad, reconocida en todo el mundo, pero no cabe duda de que, cuando acude de forma habitual a ver películas en versión original subtitulada, la obra fílmica pierde autenticidad y verosimilitud artística. ¿Acaso existe un temor empresarial sobre este aspecto? Si la industria no actúa, uno piensa en posibles razones económicas que impiden el desarrollo de los títulos en V.O.S.

¿La pereza o acomodo del público se postula como el gran condicionante en la progresiva implantación de este sistema estilístico? Evidentemente, la versión original subtitulada requiere un mayor esfuerzo cognitivo y visual, no apto para todos los públicos o edades, pero las nuevas generaciones reclaman un mayor número de estas salas en más puntos del mapa nacional. Por supuesto, se trata de un problema educativo, un asunto cultural de gran calado porque la difusión de la V.S.O. derivaría en un mayor conocimiento de otras lenguas como el inglés, que tanto nos ocupa y preocupa en nuestras carreras, estudios o situaciones cotidianas. Menos mal que nos quedan el DVD e Internet para salvaguardar la virginidad de los títulos fílmicos originales.

Según un informe provisional del 2009 (del 1 de enero al 15 de noviembre) realizado por el Ministerio de Cultura, durante el pasado año se programaron 1.243 películas en los cines españoles y la oferta española no alcanzaba los 300. Hubo 94 millones de espectadores y sólo 13 optaron por filmes autóctonos. La oferta norteamericana triunfa en la cuota cinematográfica del mercado español, con un dato superior al 37 por ciento. Han llamado la atención de 64 millones de cinéfilos con 471 títulos. Reino Unido, Suecia (debido al fenómeno 'Millenium'), Francia, Alemania e Italia son las nacionalidades que siguen a Estados Unidos y a España (24% de cuota de mercado) en esta clasificación.

Estos apuntes argumentan el poderío extranjero, uséase de origen norteamericano, en los cines españoles. Por lo tanto, la V.S.O nos remite al idioma de Shakespeare, existen un claro conocimiento de las vías de comunicación necesarias para abordar el problema y, como mínimo, sería adecuada la consecución de una cuota decente para películas en versión original subtitulada, con una potente campaña publicitaria de carácter gubernamental que aumenta un hábito infravalorado. ¿Cómo lo ven? ¿Interesa más la permanencia del doblaje al español que la exhibición en estado puro con subtítulos en castellano? Si no lo han hecho nunca, vean cine en V.S.O., comparen y concluyan.

Publicado el 25 de febrero de 2010 a las 09:45.